terça-feira, 27 de junho de 2017

Jezebel

A atriz Bette Davis costumava dizer que o diretor William Wyler era um verdadeiro tirano durante as filmagens e que paradoxalmente a isso ele havia conseguido lhe tirar as melhores interpretações de sua carreira. O filme "Jezebel" vem justamente para confirmar as afirmações de Davis. Aqui ela interpreta Julie Marsden, uma jovem dama sulista na New Orleans do século XIX. Mimada, geniosa e dada a ataques de capricho, ela coloca seu romance com o banqueiro Preston Dillard (Henry Fonda) em risco, justamente por causa de sua personalidade.

Preston gosta dela, é verdadeiramente apaixonado, porém a paciência vai se acabando. Durante um tradicional baile sulista, onde as jovens solteiras sempre vão com lindos vestidos brancos, numa tradição muito valorizada no sul, Julie decide aparecer com um vestido todo vermelho, bem berrante, para escândalo da sociedade local. Essa "vergonha" começa a minar o romance dela com o jovem banqueiro, que afinal de contas é muito suscetível a qualquer problema dentro das regras daquela sociedade, uma vez que é um banqueiro que precisa preservar sua imagem perante seus clientes.

Dois aspectos históricos bem interessantes acompanham o enredo de "Jezebel". O primeiro é o fato da história se passar apenas poucos anos antes do começo da guerra civil americana. Já naquela época os ânimos surgem bem aflorados, dominando as conversas dos sulistas pelos salões das cidades. Outro é o surgimento da febre amarela no sul, levando morte e destruição em uma escala jamais vista. Essa doença que se dissemina com extrema rapidez vai ser essencial no desenrolar da história, culminando numa forte cena final que certamente marcou época e é o grande momento de todo o filme.

"Jezebel" foi baseado numa peça escrita por Owen Davis. De certa forma foi uma produção que antecipou em um ano o impacto do clássico "E o Vento Levou". As duas histórias dos filmes são bem parecidas, com enredos se passando no sul escravocrata, nos tempos da guerra civil. As duas protagonistas também são bem semelhantes. Até mesmo em termos de premiação da academia temos semelhanças pois Bette Davis foi merecidamente premiada com a estatueta de melhor atriz do ano com essa interpretação. Ela era ainda bem jovem, mas já imprimia a marca de sua forte personalidade em sua personagem. Décadas mais tarde, após o falecimento de Bette Davis, o diretor Steven Spielberg compraria o Oscar que ela havia sido premiada por esse filme e que estava à venda em um leilão em Londres. Ele comprou a estatueta e a devolveu para o museu da academia em Hollywood. Um gesto de preservação da história do cinema. Em suma, esse é de fato um dos melhores filmes históricos desse momento crucial na história dos Estados Unidos. Um clássico absoluto do cinema americano em sua era de ouro.

Jezebel (Jezebel, Estados Unidos,1938) Direção: William Wyler / Roteiro: Clements Ripley, Abem Finkel / Elenco:  Bette Davis, Henry Fonda, George Brent / Sinopse: Julie (Bette Davis) é uma jovem mimada e de personalidade forte. Ela tem um romance com um jovem banqueiro chamado Preston (Fonda), mas esse vai aos poucos perdendo a paciência com seus inúmeros caprichos. Quando a febre amarela assola a região o casal se colocará a prova, principalmente quando Julie descobrir que o grande amor de sua vida se casou com uma jovem do norte após o rompimento de seu conturbado namoro. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Fotografia (Ernest Haller) e Melhor Música (Max Steiner). Vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Bette Davis) e Melhor Atriz Coadjuvante (Fay Bainter).

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 26 de junho de 2017

Calvário da Glória

Um filme realmente magnífico. A história se passa no meio teatral de Nova Iorque durante os anos 1950. É para lá que viaja Sam Lawson (Anthony Franciosa). Vindo de uma cidadezinha do interior ele tem muitos sonhos de se tornar um ator de sucesso na grande cidade. Para trás ele deixa a noiva Barbara (Joan Blackman). Assim que embarca no trem seu coração dispara, afinal é uma nova fase que vai nascendo em sua vida. E então vem a decepção. Assim como ele, há milhares de outros atores em Nova Iorque em busca de uma chance. A imensa maioria deles está desempregada. Os testes são extremamente competitivos e se torna mais fácil ganhar na loteria do que ser escolhido para atuar em uma peça.

Essa dura realidade vai minando os sonhos de Sam. Ele conhece um produtor de peças, Maurice 'Maury' Novak (Dean Martin), tão fracassado como ele e Shirley Drake (Shirley MacLaine), a filha de um dos produtores mais prestigiados de Nova Iorque, um boçal arrogante que parece ter prazer em humilhar os atores que buscam um espaço em suas peças teatrais. Como se pode perceber é uma galeria de personagens cruéis, violentos, irascíveis... todos tentando vencer em uma ramo verdadeiramente selvagem da grande metrópole. Para Sam a tragédia é ainda maior porque sua bela e jovem noiva não reage bem ao seu fracasso profissional. Ela fica grávida, perde o filho e o casamento não sobrevive a tantos problemas. Sam tenta muito ter uma oportunidade, mas todas as portas parecem estar fechadas para ele.

O roteiro desse filme sobre fracasso, desesperança e também persistência, é brilhante. Ele foi escrito pelo genial Dalton Trumbo que fez uma crônica sobre a destruição dos sonhos do protagonista. Obviamente Trumbo conheceu muitos atores que viveram a mesma situação de Sam. Pessoas cheias de sonhos que foram trucidadas pela realidade da vida. O personagem principal porém não deixa de ser um exemplo, principalmente pelo desfecho do filme. Trumbo preferiu a esperança do que o fracasso, a glória de uma vida de lutas do que passar uma mensagem pessimista, sórdida e cruel. Nesse aspecto ele conseguiu fechar com chave de ouro seu maravilhoso texto. Deu-se ao privilégio inclusive de colocar elementos de sua própria vida pessoal no enredo, como a perseguição aos comunistas na época, os impedindo de trabalharem e sobreviverem.

Além do roteiro que é inegavelmente uma obra prima, outro aspecto chama a atenção do espectador: o maravilhoso elenco. Todos estão em momento de graça. Até mesmo o cantor Dean Martin surpreende com sua atuação. Ele é um produtor de peças baratas do circuito Off-Broadway que vai vivendo um dia de cada vez. Shirley MacLaine é outro destaque absoluto. Uma menina rica, abusada, alcoólatra, com problemas psicológicos, que vira um elo nada sólido entre o fracasso e o sucesso daqueles que orbitam ao seu redor. Um fato curioso é que muitos astros recusaram o convite para atuar nesse filme. O tema do fracasso de um ator certamente assustou as estrelas de Hollywood. Coube então ao corajoso Anthony Franciosa assumir o papel principal, nesse que foi seguramente seu mais brilhante trabalho de atuação. "Calvário da Glória" é isso. Uma crônica sobre os sonhos em pedaços, mostrando o valor daqueles que persistem na busca por uma vida melhor.

Calvário da Glória (Career, Estados Unidos, 1959) Direção: Joseph Anthony / Roteiro: Dalton Trumbo / Elenco: Anthony Franciosa, Dean Martin, Shirley MacLaine, Carolyn Jones, Joan Blackman / Sinopse: Sam (Franciosa) é um ator fracassado que tenta de todas as formas vencer no concorrido mercado teatral de Nova Iorque. Apesar de seus esforços todas as portas parecem estar fechadas para seus sonhos. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Fotografia (Joseph LaShelle), Melhor Figurino (Edith Head) e Melhor Direção de Arte (Hal Pereira e Walter H. Tyler). Filme vencedor do Globo de ouro na categoria de Melhor Ator - Drama (Anthony Franciosa).

Pablo Aluísio.

domingo, 25 de junho de 2017

Enigma de uma Vida

O filme começa com Ned Merrill (Burt Lancaster) chegando na casa de amigos, vizinhos, velhos conhecidos. Há muito tempo que ele não aparecia por lá. A recepção é a melhor possível. É um domingo pela manhã, lindo dia de sol. Ned está animado para nadar na piscina da casa deles. Ele parece estar com ótimo humor, uma pessoa de bem com a vida. Entre conversas triviais ele fica sabendo que a maioria das casas vizinhas agora possuem sua própria piscina. É uma longa caminhada de Ned até chegar na sua residência, então ele decide fazer uma coisa inusitada: nadar em todas as piscinas que encontrar, até chegar em sua casa. Ele quer, em suas próprias palavras, chegar nadando até lá!

Então sem perder muito tempo Ned começa sua estranha jornada. Apenas com calção de banho, ele vai indo de casa em casa, pedindo licença aos moradores, para dar uma bela nadada em suas piscinas. No começo tudo parece bem fútil e até mesmo bobo, porém conforme Ned vai reencontrando velhos amigos e pessoas de seu passado, sua própria vida vai se revelando nessa sua caminhada. Ele revê sua antiga amante, uma mulher amargurada que está decidida a não mais cair em seus braços, também reencontra a babá de seus filhos, uma garota que agora está com 20 anos e que confessa que na adolescência havia criado uma paixão platônica avassaladora por ele. Cada uma dessas pessoas vai deixando uma marca em Ned. Ele porém não encontra apenas pessoas amigáveis, pelo contrário, também se vê diante de inimizades, moradores ricos e esnobes e gente que o trata mal.

Olha, o roteiro desse filme clássico "Enigma de uma Vida" pode até parecer bem simples numa visão superficial. Porém conforme o enredo vai se desenvolvendo percebemos que há muito mais por trás de sua suposta singeleza. O personagem interpretado por Burt Lancaster parece otimista e cheio de vida no começo do filme, mas quando começa sua jornada pelas piscinas da vizinhança ele começa a cair, sofrer ataques de pessoas que tinham alguma mágoa ou contas a acertar com ele e assim sua animação vai se esvaziando conforme ele avança. Lancaster já não era um garotão quando fez esse filme, mas estava em ótima forma física. Ele mescla uma atuação mais física com ótimos momentos em que demonstra grande talento dramático.

O título original do filme em inglês, que significa "o nadador" (The Swimmer), pode até dar a impressão que o protagonista só quer cumprir uma tarefa bem boba, auto imposta por ele mesmo, porém ao encontrar seus vizinhos e pessoas do passado, sua própria vida vai se revelando. O roteiro é assim uma verdadeira metáfora da vida do personagem. A vida começa cheia de esperanças, otimismo e alegria. Conforme o tempo vai passando e sofremos perdas, decepções, revezes e infortúnios, o sol que brilhava tanto já não brilha mais. Por isso a cena final é toda passada em uma grande chuva torrencial. Quando ele finalmente bate a porta de sua antiga casa, tudo é revelado. Em suma, ótima filme em roteiro que surpreende por sua profundidade (até mesmo filosófica). Uma verdadeira obra prima, para dizer a verdade.

Enigma de uma Vida (The Swimmer, Estados Unidos,1968) Direção: Frank Perry, Sydney Pollack / Roteiro: Eleanor Perry, John Cheever / Elenco: Burt Lancaster, Janet Landgard, Janice Rule / Sinopse: Ned Merrill (Burt Lancaster), um morador da região, decide fazer uma maratona nas piscinas de seus vizinhos. O que inicialmente parece ser uma grande bobagem acaba se revelando um momento de reflexão sobre sua vida, seu passado e as pessoas que conheceu ao longo de todos esses anos.

Pablo Aluísio.

Cinco Semanas Num Balão

Rever esse filme foi como relembrar as antigas reprises da Sessão da Tarde na década de 1980. Naquela época o cardápio de filmes clássicos sendo exibidos na TV aberta era bem farto e variado. E um dos campeões de exibição era justamente esse "Cinco Semanas Num Balão". O roteiro é baseado no livro do maravilhoso Júlio Verne, um dos mais imaginativos e criativos escritores de todos os tempos. Unindo fantasia e aventura ele acabou criando livros que até hoje encantam. O livro original foi publicado em 1863 e foi um dos primeiros a se tornarem best-seller. Uma fórmula que Verne iria repetir por muitos anos em seus livros seguintes. Pois bem, esse filme foi produzido para celebrar o centenário do livro, porém acabou se fazendo algumas mudanças para agradar ao público da década de 1960. Há claramente uma tentativa de transformar tudo em algo leve, divertido, com bastante humor. O filme foi dirigido pelo mestre da TV Irwin Allen, produtor de clássicas séries como "Perdidos no Espaço", "Terra de Gigantes", "Viagem ao Fundo do Mar" e "Túnel do Tempo". Trocando em miúdos, se havia alguém indicado para realizar um filme baseado nas aventuras cheias de fantasia de Verne, nome mais indicado não existia.

Infelizmente na ânsia de fazer algo muito leve e familiar, o diretor acabou tirando grande parte do conteúdo do livro de Verne. Por exemplo, o discurso abolicionista da trama original é apenas colocado em segundo plano. Ao invés de mostrar a garra dos protagonistas em chegar primeiro numa região desolada da África Ocidental para evitar que os traficantes de negros escravos dominassem o lugar, tudo é deixado bem de lado, para explorar mais as cenas de ação e humor. O elenco também é apenas mediano. O diretor escalou até o cantor juvenil Fabian para atrair bilheteria. O problema é que ele definitivamente era muito fraco como ator, mais parecendo uma imitação sem graça de Elvis Presley. Até a "Jeannie" Barbara Eden (da série "Jeannie é um gênio") foi desperdiçada. Ainda no auge da beleza ela não tinha muito a fazer a não ser desfilar com seu rosto bonito em cena. O único bom ator desse filme foi o veterano Richard Haydn. O resto realmente se tornou bem dispensável. Assim, no final das contas temos apenas um filme regular. Claro, servirá para trazer muita nostalgia para quem o assistiu na infância, mas é só. Como obra cinematográfica passa longe de ser considerado um clássico.

Cinco Semanas Num Balão (Five Weeks in a Balloon, Estados Unidos, 1962) Direção: Irwin Allen / Roteiro: Charles Bennett, baseado no livro de Jules Verne / Elenco: Red Buttons, Fabian, Barbara Eden, Richard Haydn / Sinopse: Para evitar que traficantes negreiros tomem posse de uma enorme  região remota na África Ocidental o governo da Inglaterra resolve enviar uma expedição em um balão para fincar a bandeira do Reino Unido naquele vasto território, para que assim as terras sejam reivindicadas pela coroa inglesa.

Pablo Aluísio.

sábado, 24 de junho de 2017

A Selva Nua

Título no Brasil: A Selva Nua
Título Original: The Naked Jungle
Ano de Produção: 1954
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Byron Haskin
Roteiro: Philip Yordan, Ranald MacDougall
Elenco: Charlton Heston, Eleanor Parker, Abraham Sofaer, William Conrad, Leonard Strong, John Dierkes
  
Sinopse:
Christopher Leiningen (Charlton Heston) é um fazendeiro americano que ergue uma plantação de cacau no meio da floresta amazônica. Ele luta para vencer a natureza da região e precisa enfrentar muitos desafios, inclusive a infestação de uma formiga voraz conhecida na região como Marabunta! Solitário naquele mundo perdido, ele decide se casar por procuração com uma mulher de New Orleans chamada Joanna (Eleanor Parker). Quando ela finalmente chega na região Christopher acaba se decepcionando, criando inúmeros problemas para seu novo relacionamento.

Comentários:
Um filme de selva, gênero que era muito popular nos anos 1950, só que ao invés de se passar na África esse aqui se passa na floresta Amazônica. Charlton Heston interpreta esse fazendeiro bem rude e violento que precisa lidar com uma infestação de formigas devoradoras, que podiam acabar com sua plantação de cacau em poucas horas. Além disso ele tem que receber a mulher que acabou de chegar dos Estados Unidos para ser sua esposa. É complicado simpatizar com esse protagonista porque ele é em essência um homem sem qualquer simpatia pessoal, violento com seus empregados e irascível com a esposa recém chegada. A primeira parte do filme mostra os problemas envolvendo justamente seu péssimo temperamento com a mulher que deveria ser sua nova esposa. Ele não se socializa direito, tem poucas palavras agradáveis para dizer a ela e o pior de tudo, a rejeita simplesmente pelo fato dela ter sido casada como outro homem no passado. Eleanor Parker está muito bonita no filme, vestindo roupas elegantes que contrastam completamente com o clima selvagem da região. É um bom filme, que consegue mesclar romance com aventura. Bem no estilo desse tipo de produção da época. Por fim um fato curioso: durante o lançamento do filme no Brasil o ator Charlton Heston visitou a cidade de São Paulo. Em entrevista com a jornalista Dulce Damasceno de Brito na cidade, o ator quis saber como os paulistas lidavam com a terrível formiga Marabunta! Heston pensava que o inseto infestava a grande cidade brasileira, demonstrando toda a sua ignorância sobre o Brasil. Essa situação inusitada foi relatada por Dulce em uma de suas colunas na revista Set. Pelo visto Charlton Heston pensava que os paulistas tinham que enfrentar as formigas em suas casas, todos os dias! No mínimo surreal sua visão sobre a maior cidade da América do Sul.

Pablo Aluísio.

Quero um Marido

Título no Brasil: Quero um Marido
Título Original: Give Me a Sailor
Ano de Produção: 1938
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Elliott Nugent
Roteiro: Doris Anderson
Elenco: Bob Hope, Betty Grable, Martha Raye, Clarence Kolb, Bonnie Jean Churchill, Nana Bryant
  
Sinopse:
Jim Brewster (Bob Hope) e seu irmão Walter (Jack Whiting) estão de volta aos Estados Unidos após uma longa viagem. Eles são marinheiros e estão empolgados por voltarem ao lar depois de tanto tempo. Walter está especialmente ansioso em reencontrar sua namorada Nancy Larkin (Betty Grable). Ele está decidido a pedi-la em casamento, só que há um problema pela frente: Jim também sempre foi apaixonado por Nancy e tentará conquistá-la de todas as formas!

Comentários:
Bob Hope sempre foi um dos comediantes mais queridos da América. Ele teve uma longa carreira, fez shows de TV e durante anos foi o apresentador do Oscar. Hope nunca foi muito conhecido do público brasileiro, mas com o relançamento de muitos de seus filmes mais antigos surge uma boa oportunidade de conhecer melhor sua filmografia. Esse aqui intitulado "Give Me a Sailor" foi um dos seus grandes sucessos de bilheteria nos anos 1930. O roteiro explora um triângulo amoroso envolvendo dois irmãos que estão na marinha e uma bela jovem loira interpretada pela linda atriz Betty Grable, em comecinho de carreira, em um dos seus primeiros papéis de destaque em Hollywood. O que poderia ser um estopim dramático para os protagonistas acaba virando apenas um mote para cenas divertidas e engraçadas, tudo muito leve, bem indicado para a família. É curioso porque esse mesmo roteiro acabou sendo readaptado anos depois para um filme com outro comediante famoso, Jerry Lewis. Tanto esse filme original como o remake de Lewis eram baseados na mesma peça escrita por Anne Nichols, uma escritora que fez muito sucesso na Broadway na década anterior, em plenos anos 20. Então é isso, um filme leve, doce, com roteiro bem simples, para fãs de Bob Hope e Betty Grable.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 23 de junho de 2017

Asas de Águias

Título no Brasil: Asas de Águias
Título Original: The Wings of Eagles
Ano de Produção: 1957
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: John Ford
Roteiro: Frank Fenton, William Wister Haines
Elenco: John Wayne, Maureen O'Hara, Dan Dailey, Ward Bond, Ken Curtis, Edmund Lowe
  
Sinopse:
Durante a formação da primeira esquadrilha de aviões da marinha americana, o piloto Frank 'Spig' Wead (John Wayne) acaba se destacando por sua coragem e audácia. Ele é um militar rebelde que nem sempre segue as ordens. Quando a marinha resolve disputar com o exército uma volta ao mundo ele prontamente se dispõe a liderar sua equipe. Apenas uma surpresa do destino acaba parando seus planos para essa aventura inesquecível.

Comentários:
John Ford foi um mestre do cinema. Disso ninguém tem dúvidas. A questão é que até mesmo os grandes cineastas dão tropeços em sua carreira. Esse "Asas de Águias" foi seguramente um dos piores filmes de Ford. Mesmo trabalhando ao lado de John Wayne, em uma história tão interessante, baseada em fatos reais, pouca coisa funciona. No começo do filme Ford adota um tom exageradamente pastelão. Isso mesmo, em um filme que se propunha a ser um drama de guerra, Ford colocou cenas exageradamente cômicas, com direito a bolos e tortas na cara e calhambeques disputando corridas com aviões (como se o espectador estivesse assistindo a um velho filme de "O Gordo e o Magro"). Nada chega a ser engraçado, apenas constrangedor. Depois o filme avança e Ford, aos poucos, vai mudando o estilo. O personagem de John Wayne sofre um acidente doméstico, ao cair de uma escada, e se torna paraplégico. Ele que sempre foi um militar audacioso teria que lidar agora com uma terrível nova realidade. E aí, do nada, o que era pastelão se torna dramalhão. É um pouco demais para o público, vamos convir. Essa montanha russa de estilos cinematográficos acaba atrapalhando o filme como um todo. Sem ter como pilotar novamente então o personagem de John Wayne vai para Hollywood e se torna roteirista de filmes de guerra. A história real de Frank 'Spig' Wead poderia render algo muito mais interessante. Ele próprio poderia ter escrito um roteiro melhor para o filme, porém quando esse foi realizado ele já estava morto. Uma pena, de certa forma John Ford, apesar de todas as suas boas intenções e talento, estragou essa biografia do velho piloto da marinha. Se tivesse adotado um tom sério e mais centrado no drama real vivido por Spig teríamos um filme muito mais interessante. Do jeito que ficou tudo soa muito bobo e fora de propósito. Esse filme certamente foi uma bola fora dentro da filmografia do grande John Ford. A lição que fica é a de que até os grandes gênios do cinema cometem sua dose de bobagens nas telas.

Pablo Aluísio.

Vamos Dançar?

Título no Brasil: Vamos Dançar?
Título Original: Shall We Dance
Ano de Produção: 1937
País: Estados Unidos
Estúdio: RKO Radio Pictures
Direção: Mark Sandrich
Roteiro: Allan Scott, Ernest Pagano
Elenco: Fred Astaire, Ginger Rogers, Edward Everett Horton, Eric Blore, Jerome Cowan, Ketti Gallian
  
Sinopse:
Durante uma viagem de navio rumo a Nova Iorque, o mestre do mundo da dança Pete "Petrov" Peters (Fred Astaire) descobre que no mesmo navio viaja a estrela dos musicais Linda Keene (Ginger Rogers). E eles acabam se tornando alvo de uma fofoca que diz que supostamente estariam casados em segredo, algo que deixa Petrov completamente indignado. Mas haveria algum fundo de verdade nessa estória? Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música original (They Can't Take That Away from Me" de George Gershwin e Ira Gershwin).

Comentários:
O que menos importava nos filmes da dupla Fred Astaire e Ginger Rogers eram as estórias contadas em seus filmes. Tudo no fundo não passava de um mero pretexto para que eles apresentassem nas telas algumas das melhores coreografias de dança da era de ouro do cinema clássico americano. Tão perfeitas eram as cenas de dança que Ginger Rogers acabou criando uma antipatia por seu parceiro Fred Astaire. Ele era um desses dançarinos perfeccionistas ao extremo, que rodava uma cena inúmeras vezes para atingir a perfeição. Isso deixava Ginger completamente exausta. Agora, é impossível não entender que Fred Astaire estava com a razão. Dentro dessa era de ouro dos musicais ele acabou protagonizando alguns dos melhores filmes do gênero, justamente por causa desse seu método de trabalho. Para tanto Fred não precisava de muita coisa, um cenário básico, um item qualquer, tudo virava magia em suas coreografias. Ele realmente foi o maior dançarino da história do cinema americano, em todos os tempos. Se tem dúvidas confira essa produção para bem entender o que estou afirmando.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 22 de junho de 2017

Perdidamente Tua

Título no Brasil: Perdidamente Tua
Título Original: A Life of Her Own
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: George Cukor
Roteiro: Isobel Lennart
Elenco: Lana Turner, Ray Milland, Tom Ewell, Louis Calhern, Ann Dvorak, Barry Sullivan
  
Sinopse:
Depois de muito hesitar, a jovem Lily Brannel James (Lana Turner) decide ir embora da pequena cidadezinha onde nasceu para ir morar em Nova Iorque. Ela sonha se tornar modelo de sucesso na grande cidade. Nos primeiros dias ela conhece uma modelo veterana, mais velha, que está depressiva e magoada, pois já não encontra mais trabalhos como antes. Mesmo assim Lily não se abala e aos poucos começa a subir na carreira, recebendo mais e mais ofertas de trabalho. Seu único problema é que ela acaba se apaixonando por um homem casado, o advogado Steve Harleigh (Ray Milland).

Comentários:
Mais um bom drama romântico estrelado pela diva Lana Turner. O papel foi escrito especialmente para ela, já que o diretor George Cukor sabia que sua estrela se enquadrava muito bem na personagem que era uma linda modelo, a preferida das capas de revistas de moda! Embora externamente exibisse uma imagem maravilhosa, internamente ela tinha muitos problemas emocionais, entre eles um amor plenamente correspondido por um homem casado (em boa interpretação do ator Ray Milland, um dos maiores talentos da era clássica em Hollywood). Para reforçar ainda mais a dramaticidade do roteiro, a esposa do seu homem amado havia sofrido um sério acidente de carro no passado, ficando paraplégica para sempre! Agora imaginem o grau de sofrimento emocional de Lily (Turner), pois ela está perdidamente apaixonada por um homem com o qual muito provavelmente nunca será feliz! O verdadeiro amor impossível! Um dos aspectos que mais gostei desse roteiro foi que ele tem uma dose bem acentuada de melancolia. A modelo interpretada por Lana Turner, logo em seus primeiros dias de Nova Iorque, trava amizade com Mary Ashlon (Ann Dvorak), uma modelo mais velha, solitária, depressiva e suicida. Decepcionada com o que havia acontecido em sua vida (ela foi parar em um pequeno quartinho de periferia após ter vivido todo o glamour do mundo da moda) ela resolve pular da janela de seu prédio, morrendo instantaneamente. Esse fato trágico marca Lily durante todo o filme, pois sempre que sua vida profissional ou emocional entra em crise ela se lembra de sua amiga que acabou com sua própria vida. Como esse filme não tem um final feliz (outro ponto a favor desse corajoso roteiro), ficamos com a ansiedade do que acontecerá ou não com a personagem de Lana Turner. A última cena aliás é bem embaixo do prédio onde sua amiga pulou para a morte! Sem o homem que tanto amou em sua vida, Lily poderia cometer o mesmo ato impensado de Mary? Bom, assista ao filme para conferir...

Pablo Aluísio.

Quando o Diabo Atiça

Título no Brasil: Quando o Diabo Atiça
Título Original: Forsaking All Others
Ano de Produção: 1934
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: W.S. Van Dyke
Roteiro: Joseph L. Mankiewicz, Frank Cavett
Elenco: Robert Montgomery, Joan Crawford, Clark Gable, Charles Butterworth, Billie Burke
  
Sinopse:
Dillon Todd (Robert Montgomery) acaba abandonando sua noiva Mary Clay (Joan Crawford) no altar. Ele, que sempre teve dúvidas sobre esse casamento, resolve seguir a voz do coração, indo atrás de sua grande paixão do passado, Connie. Mary por sua vez fica arrasada, mas resolve seguir em frente com sua vida. Tentado reconstruir sua vida sentimental ela acaba conhecendo Jeff Williams (Clark Gable) que, interessado por ela, resolve cortejá-la. O problema é que Mary ainda ama Dillon e esse, ao que tudo indica, parece estar arrependido pelo que fez. E agora, com quem Mary decidirá ficar?

Comentários:
A história desse filme é bem curiosa. O romance foi escrito para ser uma novela de rádio. Teve tanto sucesso em sua transmissão que acabou virando uma peça de teatro. Depois foi finalmente adaptada para o cinema. O primeiro filme lançado nos cinemas foi justamente esse aqui. Esqueça o esquisito (e até divertido) título nacional. Essa produção da MGM nos distantes anos 1930, captura bem um enredo que no fundo não passa de uma paródia de costumes, tentando até mesmo fazer graça de situações potencialmente mais dramáticas. Um dos destaques do filme, como não poderia deixar de ser, vem do elenco. Embora fosse estrelado pelo galã relutante Robert Montgomery, o grande nome do elenco é mesmo Clark Gable. Nessa época ele ainda não tinha se tornado o mito que viria a ser, principalmente após atuar no grande clássico "E o Vento Levou", mas já era um galã de renome. Desfilando seu tipo característico, ele encontrou uma parceira de cena à altura: a diva Joan Crawford. Essa atriz, que anos depois seria alvo de várias biografias que de certo modo procuravam destruir sua imagem perante o público, tem aqui uma de suas atuações mais marcantes. Joan Crawford era naturalmente glamorosa e mesmo quando atuava em personagens que não exigiam toda essa pompa, jamais de despia completamente de sua figura de grande estrela de cinema. Assim temos um dos mais interessantes filmes do cineasta W.S. Van Dyke. A conclusão final é que apesar da passagem do tempo os relacionamentos entre homens e mulheres não mudaram tanto assim! Continuam problemáticos, com desencontros, brigas e reconciliações improváveis. Igual na vida real. Em certos aspectos continuam como sempre foram, o que sempre dá farto material a ser explorado por livros e filmes românticos. Assista e confira.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 21 de junho de 2017

Joe Kidd

Joe Kidd (Clint Eastwood) é preso por um crime menor. Ele foi pego pelo xerife caçando em uma reserva natural, o que era proibido por lei. Levado a julgamento, ele tem uma surpresa quando o tribunal é invadido por um bandoleiro mexicano chamado Luis Chama (John Saxon). Ele intimida o juiz, afirmando que não há mais justiça naquela região onde latifundiários americanos roubam as terras que eram tradicionalmente povoadas por colonos mexicanos. Ele cansou de esperar por lei e ordem e resolve agir por conta própria, comandando um grupo de pistoleiros e assassinos. Imediatamente uma força tarefa é organizada pelo xerife para capturar Chama, mas tudo em vão. Entra em cena então o pistoleiro e caçador de recompensas Frank Harlan (Robert Duvall). Já que o xerife é um fraco, os grandes fazendeiros resolvem contratar um profissional. Seu objetivo é encontrar Chama e seus homens, para liquidar com todos eles. Harlan conhece o passado de Joe Kidd. Sabe que há muitos anos ele foi um conhecido caçador de recompensas e matador como ele. Assim resolve oferecer um valor irrecusável a ele, para entrar no bando que vai ao deserto em busca do revolucionário bandoleiro Luis Chama. Com certo receio Kidd acaba aceitando o convite, dando início a uma verdadeira caçada humana pelos desertos da fronteira entre Estados Unidos e México.

Esse "Joe Kidd" é mais um filme da fase americana da carreira de Clint Eastwood. Como se sabe ele ficou muitos anos trabalhando na Itália ao lado do diretor Sergio Leone. Com o sucesso de produções como "Por um Punhado de Dólares", "Por uns Dólares a Mais" e "Três Homens em Conflito", Clint virou um astro dos filmes de faroeste. De volta aos Estados Unidos ele começou uma nova safra de filmes do gênero. Esse aqui foi rodado logo após Clint estrelar um de seus grandes sucessos, "Perseguidor Implacável", o primeiro com o personagem do policial durão Dirty Harry.Apesar do êxito comercial desse filme de ação, Clint não queria abandonar o gênero western. "Joe Kidd" é certamente um bom filme, mas ainda fica bem abaixo de outras obras primas que Clint ainda iria participar como "Um Estranho Sem Nome" e "O Cavaleiro Solitário". Esses dois são certamente os melhores que ele fez nos anos seguintes. Mesmo assim não deixa de ser muito bom ver Clint Eastwood dirigido pelo mestre John Sturges, um veterano dos filmes de faroeste, que havia dirigido um dos grandes clássicos do estilo, o aclamado "Sete Homens e um Destino". Com tantos nomes importantes envolvidos em sua realização esse "Joe Kidd" é certamente um item obrigatório na coleção de todo fã de western que se preze.

Joe Kidd (Joe Kidd, Estados Unidos, 1972) Direção: John Sturges / Roteiro: Elmore Leonard / Elenco: Clint Eastwood, Robert Duvall, John Saxon, Don Stroud, Stella Garcia, James Wainwright / Sinopse: Joe Kidd (Clint Eastwood), um ex-caçador de recompensas e pistoleiro, se une ao bando de Frank Harlan (Robert Duvall), para caçar um agitador e bandoleiro mexicano Luis Chama (John Saxon), que almeja vingança contra fazendeiros e colonos americanos que ocuparam terras que tradicionalmente eram pertencentes aos povos do México.

Pablo Aluísio. 

terça-feira, 20 de junho de 2017

Um Homem Dificil de Matar

Dois velhos cowboys, Monte Walsh (Lee Marvin) e Chet Rollins (Jack Palance), cruzam o velho oeste em busca de trabalho. As fazendas e ranchos estão nas mãos de bancos e o seu tradicional estilo de vida parece estar chegando ao fim. Eles acabam arranjando trabalho em uma dessas fazendas, tocando o gado, cuidando dos cavalos e conservando as cercas. Quando o banco, que agora é o proprietário do lugar, resolve cortar custos vários cowboys são demitidos. Alguns deles acabam se tornando ladrões de bancos e cavalos. Durante um assalto, o amigo de Walsh, Rollins, acaba sendo assassinado covardemente. Assim só resta ao velho cowboy partir para a vingança contra seus antigos colegas de trabalho, agora todos no mundo do crime."Um Homem Dificil de Matar" hoje em dia é considerado um dos melhores trabalhos da carreira do ator Lee Marvin. Isso se levarmos em conta a sua grande e ampla filmografia só vem a reforçar como esse western é bom! Na realidade é um faroeste lançado já no começo da decadência do gênero, quando os filmes se tornavam mais baratos, com orçamentos limitados, justamente pelas modestas bilheterias que alcançavam. Nada disso porém tira a grande qualidade desse filme. O roteiro é muito bem escrito, se preocupando inicialmente apenas em mostrar a vida cotidiana de um cowboy do século XIX, já vivendo o fim de sua profissão, com as grandes fazendas e ranchos sendo engolidos pelo capital financeiro. Com isso muitas dessas propriedades tiveram suas atividades encerradas, levando um grande número de trabalhadores ao desemprego.

Os dois personagens centrais do filme são homens velhos, cowboys veteranos, que a cada dia sofrem mais na busca por um novo trabalho. Contando com velhas amizades eles ainda conseguem um trabalho em uma fazenda que agora pertence a banqueiros de Nova Iorque. Essa gente não estava muito interessada no estilo de vida dos cowboys, pois só visavam lucro. Por isso de tempos em tempos mais vaqueiros eram demitidos. Jogados no desemprego, muitos deles simplesmente viraram bandidos. Assim o roteiro explora justamente a luta entre cowboys ainda na ativa contra bandidos e ladrões, que só se tornaram criminosos por falta de outro caminho a seguir. Embora em muitas cenas haja momentos de bom humor, uma melancolia (realçada por uma trilha sonora triste) passeia por todo o filme. É algo que chega até mesmo a incomodar. De qualquer maneira esse é seguramente um dos melhores faroeste sociais da época. Um retrato não muito feliz do fim de uma era, a era do cowboy americano.

Um Homem Dificil de Matar (Monte Walsh, Estados Unidos,1970) Direção: William A. Fraker / Roteiro: Lukas Heller, David Zelag Goodman / Elenco: Lee Marvin, Jeanne Moreau, Jack Palance / Sinopse: Monte Walsh (Lee Marvin) é um cowboy veterano que precisa partir para a vingança pela morte de seu amigo de longa data, Chet Rollins (Jack Palance). Walsh conhece bem o assassino, um homem que até bem pouco tempo atrás trabalhou ao seu lado em uma fazenda. Demitido e desempregado, ele se tornou ladrão de bancos, cavalos e pequenos estabelecimentos comerciais. Agora chegou a hora de Walsh acertar as contas com ele. Filme indicado ao Laurel Awards na categoria de Melhor Ator (Lee Marvin).

Pablo Aluísio.

Balas que não Erram

Mais um bom faroeste estrelado por Audie Murphy. O ator interpreta o temido pistoleiro John Gant. Ele chega em uma pequena cidade do velho oeste e sua reputação de matador implacável logo se espalha. Em pouco tempo todos começam a se perguntar qual seria o seu alvo agora. Gant matou inúmeros homens, sempre atuando como assassino profissional, mas jamais foi condenado pois usa de uma tática inteligente. Ele cria algum tipo de provocação para que seu alvo saque primeiro, assim acaba sempre matando em legítima defesa, escapando da prisão. Nessa nova cidade todos logo ficam nervosos com sua presença, menos o médico da cidade, Luke Canfield (Charles Drake), que não apenas acha a reação das pessoas muito exagerada como também acaba fazendo amizade com Gant, chegando ao ponto de jogar despreocupadas partidas de xadrez com o tão temido pistoleiro. Enquanto isso os demais ditos cidadãos de bem vão entrando em desespero, se convencendo que eles serão mortos por Gaton e sua mira certeira. Assim o hábil diretor Jack Arnold conseguiu criar todo um clima de tensão que domina o filme da primeira à última cena.

Audie Murphy sempre foi muito modesto em relação a si mesmo. Ele não se considerava um grande ator e até sob certo aspecto essa opinião era bem verdadeira, porém quando assistimos a filmes como esse, logo descobrimos que se por um lado ele era um ator limitado em termos de talento dramático do outro sabia muito bem seguir sua própria intuição. Seu pistoleiro é um sujeito de poucas palavras e jamais cai no clichê de virar um sujeito bonzinho ou algo parecido. Ele realmente está na cidade para cumprir mais um contrato e o fará, sem perder a sua identidade. Outro ponto positivo do roteiro é o segredo sobre a pessoa que ele deve matar. Isso só será revelado na última cena, o que garante o interesse na estória até o fim. Em termos gerais considerei um western acima de tudo muito eficiente. Não se perde tempo com banalidades. Em sua curta duração (pouco mais de 70 minutos) nada fica de fora. O suspense é bem desenvolvido, as cenas são bem criadas e o clímax condiz plenamente com a teia que foi armada durante todo o filme pelo bom roteiro. Da safra de filmes de western dos anos 50 estrelados por Audie Murphy esse é seguramente um dos melhores. Rápido no gatilho como seu protagonista essa é uma daquelas fitas que cumprem tudo aquilo que prometem aos fãs do gênero. A busca por diversão pelo espectador é plenamente satisfeita.

Balas que não Erram (No Name on the Bullet, Estados Unidos, 1959) Direção: Jack Arnold / Roteiro: Gene L. Coon, Howard Amacker  / Elenco: Audie Murphy, Charles Drake, Joan Evans / Sinopse: Pistoleiro conhecido por ser um matador implacável chega em uma pequena cidade do oeste, causando pânico, ansiedade e preocupação entre os moradores. Conhecido por ser contratado para matar homens, todos se perguntam quem seria o seu alvo dessa vez.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 19 de junho de 2017

Com a Lei e a Ordem

O filme conta a história de um xerife de Tombstone. Não é Wyatt Earp, mas sim Frame Johnson (Ronald Reagan). Após duas décadas na cidade ele conseguiu erradicar a criminalidade. Um sucesso, mas agora já mais envelhecido, pensa em se aposentar, cuidando de um rancho que comprou na cidade vizinha de Cottonwood. Após capturar o temido pistoleiro Durango Kid ele finalmente decide que chegou a hora. Entrega sua estrela de xerife e finalmente se muda. Seu desejo é se casar com a bela Jeannie (Dorothy Malone) para viver em paz ao seu lado nos seus últimos anos de vida. Sua fama de xerife implacável porém não deixará isso acontecer. Em Cottonwood ele encontra uma cidade sem lei, dominada por uma família de criminosos. Um deles perdeu a sua mão anos atrás em um duelo com o próprio xerife Johnson. A sede de vingança ainda fala alto. Após o irmão de Johnson se tornar xerife na cidade e ser morto por esses criminosos, ele não vê outra alternativa a não ser voltar a ser o homem da lei da cidade, dando início a um novo confronto entre a lei e a criminalidade imposta por essa quadrilha de foras-da-lei.

Revisto nos dias atuais o grande atrativo desse faroeste "Law and Order" é a presença do ator e futuro presidente dos Estados Unidos Ronald Reagan. Ele é o protagonista dessa fita B sem maiores destaques. O roteiro, embora procure inovar em certos aspectos, fugindo um pouco do velho tema da vingança, não traz maiores novidades. Esse tipo de enredo do xerife que não consegue colocar uma pedra em seu passado por causa dos criminosos que um dia perseguiu, já foi devidamente explorado em outros filmes de western. O filme também é muito curto, com 79 minutos de duração. Há um alívio cômico na presença de um agente funerário que vê seus negócios irem mal por causa da lei e da ordem instaurada pelo xerife Reagan e é só. No geral achei bem mediano realmente. Provavelmente se não fosse a presença daquele ator que um dia iria se tornar presidente, o filme não seria lembrado. Vale apenas como curiosidade histórica.

Com a Lei e a Ordem (Law and Order, Estados Unidos,1953) Direção: Nathan Juran / Roteiro: Inez Cocke, baseada na novela de W.R. Burnett / Elenco: Ronald Reagan, Dorothy Malone, Preston Foster / Sinopse: Frame Johnson (Ronald Reagan) é um velho xerife que só deseja se aposentar para criar gado em seu novo rancho, mas que não consegue se livrar da estrela de homem da lei por causa de seu passado e dos bandidos que desejam acertar contas com ele. 

Pablo Aluísio.

Eles Passaram por Aqui

Título no Brasil: Eles Passaram por Aqui
Título Original: Four Faces West
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Alfred E. Green
Roteiro: C. Graham Baker, Teddi Sherman
Elenco: Joel McCrea, Frances Dee, Charles Bickford, William Conrad, Martin Garralaga, Raymond Largay
  
Sinopse:
O cowboy Ross McEwen (Joel McCrea) chega em uma pequena cidade do velho oeste e vai até o banco local. Ele deseja um empréstimo de 2 mil dólares, porém não tem garantias para receber o crédito. Ross então decide assaltar o banco e foge para o deserto com o dinheiro. Atrás dele vai o famoso xerife Pat Garrett (Charles Bickford) que fará de tudo para colocar as mãos no fora-da-lei.

Comentários:
Considerado por muitos um dos cem melhores filmes de western da história. Isso é realmente de se admirar pois o filme mesmo nos dias atuais não é muito conhecido. A produção é na média dos faroestes da segunda metade dos anos 1940, mas o que se destaca mesmo é seu roteiro, um dos primeiros socialmente conscientes do gênero. O assaltante de bancos interpretado por Joel McCrea não é um típico criminoso de filmes de faroeste, longe disso. Na realidade ele precisa desesperadamente do dinheiro para usar em prol de uma boa causa. Seria assim dos primeiros personagens criminosos sociais da história de Hollywood. O tempo todo seu argumento tenta justificar o ato do protagonista, ao mesmo tempo em que joga com as emoções do público espectador. O filme foi indicado ao Writers Guild of America, o Oscar dos roteiristas, na categoria "Best Written American Western", por causa do excelente trabalho desenvolvido pela dupla  C. Graham Baker e Teddi Sherman. Tão marcante foi o trabalho dos escritores que muitos anos depois o astro Joel McCrea ainda costumava citar esse filme como um dos grandes momentos de sua filmografia. Sem dúvida um faroeste marcante, que fez história, abrindo o gênero western para novos rumos, novas perspectivas. Depois dessa produção os grandes estúdios viram a importância de se ter um bom roteiro em mãos para criar um grande filme de cowboy.

Pablo Aluísio.

domingo, 18 de junho de 2017

O Romântico Defensor

Título no Brasil: O Romântico Defensor
Título Original: Albuquerque
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Ray Enright
Roteiro: Gene Lewis
Elenco: Randolph Scott, Barbara Britton, George 'Gabby' Hayes, Lon Chaney Jr
  
Sinopse:
Com roteiro adaptado do romance "Dead Freight for Piute", de Luke Short, o filme "O Romântico Defensor" conta a estória de Cole Armin (Randolph Scott), um cowboy texano que vai até a cidade de Albuquerque para trabalhar ao lado de seu tio, John Armin (George Cleveland). um bem sucedido homem de negócios na região. Durante a viagem a diligência onde se encontra é assaltada por uma quadrilha de bandidos. Quando finalmente chega em seu destino acaba descobrindo que seu tio John teve participação no roubo. Em pouco tempo tio e sobrinho entram em choque por causa do crime ocorrido, ficando em lados opostos da lei.

Comentários:
"Albuquerque" é um western ao velho estilo onde tudo funciona muito bem. O roteiro é caprichado, bem desenvolvido, criando situações ora mais dramáticas, ora mais bem humoradas. O lado romântico também não é deixado de lado e aqui Randolph Scott corteja a mocinha Celia Wallace (Catherine Craig). O elenco de apoio é excepcionalmente bom com destaque para George Cleveland como o tio Armin, um vilão mais cerebral do que visceral (tanto que não pega em armas, apenas planeja de longe formas de prejudicar o seu sobrinho). George 'Gabby' Hayes, um veterano nas telas com quase 200 filmes também está excelente como Juke, um velho barbudo e ranzinza que trabalha para o personagem de Randolph Scott. Ele funciona muito bem como alívio cômico dentro da trama. Outro ponto de destaque no elenco de apoio é a presença do ator Lon Chaney Jr, tão conhecido dos fãs de filmes de terror clássicos da Universal, em seu auge! "Albuquerque" ficou muito conhecido pelo público americano por causa das inúmeras reprises televisivas ao longo de todos esses anos. Na década de 50 a Paramount, produtora do filme, negociou com a Universal a venda dos direitos autorais de mais de 700 faroestes, todos para serem exibidos no canal NBC no período vespertino. "Albuquerque" fazia parte desse pacote. Passando constantemente na TV norte-americana o filme foi criando uma espécie de intimidade com o público, se tornando uma obra muito conhecida e querida entre os fãs americanos de western. Até no Brasil o filme também foi bem reprisado nos primórdios da TV brasileira. Por aqui quando em sua exibição na extinta TV Tupi a produção recebeu o título pomposo de "O Romântico Defensor". Enfim é isso. "Albuquerque" certamente tem todos os ingredientes que fazem um bom western. Além disso seu clima nostálgico é completamente irresistível. Um faroeste dos bons que merece ser conhecido pelos fãs do gênero.

Pablo Aluísio.

Aventuras no Oeste

Título no Brasil: Aventuras no Oeste
Título Original: Bandits of the West
Ano de Produção: 1953
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: Harry Keller
Roteiro: Gerald Geraghty
Elenco: Allan Lane, Black Jack, Eddy Waller, Cathy Downs
  
Sinopse:
O xerife Rocky Lane (Allan Lane) descobre um plano para sabotar a companhia de gás que está colocando um grande aqueduto que passa pelas terras da região de sua cidade. Um bando de criminosos liderados por Bud Galloway está chantageando a nova empresa, pois estão dispostos a explodir tudo! O xerife então começa a caçar os foras-da-lei ao mesmo tempo em que precisa enfrentar um assassino profissional que foi contratado para matá-lo.

Comentários:
Esse personagem do xerife Rocky Lane (sempre interpretado pelo ator e astro de filmes de cowboy Allan Lane) foi muito popular na década de 1950 nos Estados Unidos. Uma série de filmes foram rodados com esse mesmo homem da lei. Eram produções B, feitas para serem exibidas em sessões de cinema matinê, onde o ingresso era bem mais barato para que a garotada pudesse assistir a muitas sessões seguidas de seus filmes preferidos. O interessante é que apesar de ter feito muito lucro com esse tipo de produção os estúdios da Republic Pictures não conseguiram escapar da falência. Esse aliás foi um dos estúdios mais populares da época, porém ao contrário do que aconteceu com as outras companhias cinematográficas, que resistiram ao teste do tempo, não conseguiu seguir adiante. Pior do que isso, a maior parte do acervo da Republic foi perdido em um grande incêndio que ocorreu logo após o fechamento da empresa. Muitos filmes se perderam para sempre, inclusive os primeiros de Allan Lane na companhia. Por essa razão esse "Bandits of the West" é não apenas uma boa amostra dos filmes B desse tempo como também um registro importante que conseguiu sobreviver ao desaparecimento. Um registro histórico a ser preservado. 

Pablo Aluísio.

sábado, 17 de junho de 2017

A Caminho do Oeste

Título no Brasil: A Caminho do Oeste / Oeste Sem Lei
Título Original: Slow West
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos, Nova Zelândia
Estúdio: DMC Film, Film4 Pictures
Direção: John Maclean
Roteiro: John Maclean
Elenco: Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee, Caren Pistorius, Ben Mendelsohn
  
Sinopse:
O jovem escocês Jay Cavendish (Kodi Smit-McPhee) parte rumo ao oeste americano em busca de sua amada, Rose Ross (Caren Pistorius). Ela fugiu para os Estados Unidos após seu pai ter matado um homem na Escócia. No caminho Jay acaba encontrando o pistoleiro Silas Selleck (Michael Fassbender) e o contrata, para servir de guia até o destino final de sua viagem. O que Jay não sabe é que Rose e seu pai estão com a cabeça à prêmio, o que atrai uma horda de caçadores de recompensas para capturá-la. Filme indicado ao British Independent Film Awards e ao European Film Awards. 

Comentários:
O que temos aqui é um western rápido e ágil que foi produzido pelo próprio ator Michael Fassbender. Com belas locações na distante (e bonita) ilha da Nova Zelândia, o filme conta uma história simples até demais. Dois viajantes seguem rumo aos confins do oeste para encontrar a paixão de um deles. Até aí nada demais. O problema é que há uma recompensa de dois mil dólares pela captura da garota, o que abre uma verdadeira caçada em sua captura. O jovem escocês que deseja encontrá-la nem desconfia que está na verdade levando um grupo de caçadores de recompensa diretamente a ela, pois eles seguem à distância seus passos. Aliás o próprio guia que ele contrata, o pistoleiro Silas, também está de olho na generosa recompensa, então cria-se mesmo uma armadilha mortal. Na longa viagem eles encontram golpistas, enganadores e índios. Há uma passagem por uma floresta fantasma, mas infelizmente isso não é muito bem aproveitado pelo roteiro. O filme tem menos de uma hora e meia de duração, o que considerei pouco em termos de filmes mais recentes. Além disso há muita violência pelo caminho, a ponto do diretor colocar uma curiosa montagem na cena final mostrando todos os que foram mortos nessa jornada, rápidos takes dos corpos crivados de balas pelo chão. O clímax inclusive é bem inesperado, sem direito a final feliz. Com um elenco praticamente todo desconhecido, com exceção do ator Michael Fassbender (de "X-Men: Dias de um Futuro Esquecido", "Assassin's Creed", "Shame", "Prometheus" e "12 Anos de Escravidão", entre outros), o filme só peca mesmo pelo roteiro que é um tanto vazio, sem nunca desenvolver melhor todos os personagens. Basicamente a situação não é melhor trabalhada, embora para os que estejam em busca de apenas boas cenas de ação não haverá o que reclamar. O jovem Jay é um tipo frágil demais, nada adequado para enfrentar o lado mais selvagem do oeste americano. Seu romantismo desproporcional e sua inocência o tornam um alvo perfeito para os foras-da-lei que infestavam o oeste naqueles tempos duros. Então é isso, "Slow West" pode ser uma boa pedida de fim de noite se você estiver em busca de um passatempo razoável, sem pretensões de se assistir a uma obra prima do western. Como diversão ligeira até que funciona bem.

Pablo Aluísio.

A Lei dos Brutos

Título no Brasil: A Lei dos Brutos
Título Original: Gunslinger
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: Roger Corman Productions
Direção: Roger Corman
Roteiro: Charles B. Griffith, Mark Hanna
Elenco: Beverly Garland, John Ireland, Allison Hayes, Martin Kingsley
  
Sinopse:
O sonho de Rose Hood (Beverly Garland) sempre foi ser uma boa esposa e mãe. Ao se casar ela pensou estar finalmente realizando seu sonho de vida, mas seu marido acaba sendo morto covardemente na rua principal da cidade. Revoltada, tomada por ira e em busca de vingança contra todos os bandidos do velho oeste, Rose resolve tomar uma decisão inédita e incomum, ao se tornar a nova xerife, impondo lei, ordem e respeito com armas em punho! O seu objetivo é limpar toda a região de bandoleiros e foras-da-lei. Apenas os mais fortes vão sobreviver.

Comentários:

Roger Corman, como todos já sabemos, foi o rei dos filmes B em Hollywood. No final da carreira escreveu um livro contando como conseguiu produzir e dirigir centenas de fitas, sem nunca perder um tostão nelas! Realmente foi um gênio em seu nicho, produzindo filmes bem legais com quase nenhum dinheiro. Hoje em dia Corman é considerado não apenas um herói e um símbolo do cinema independente americano, como também um exemplo para os que desejam fazer filmes sem ter qualquer apoio dos grandes estúdios da indústria cinematográfica americana. Nesse faroeste dos anos 50 Corman resolveu inovar, fazendo de uma mulher a "xerifa" de uma cidade do velho oeste. Claro que historicamente isso jamais aconteceu, mas quem se importa? Corman, sempre em busca de novas ideias e abordagens, resolveu fazer esse filme na intenção dele ser realmente diferente - algo que conseguiu. A figura da mulher em busca de vingança contra os bandidos, usando para isso de uma estrela de xerife, tem inegável apelo, ainda mais nos dias de hoje com os movimentos feministas e tudo mais. Pois é, quem diria, Corman até nisso estava a frente de seu próprio tempo.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 16 de junho de 2017

A Fronteira

Título no Brasil: A Fronteira
Título Original: Borderline
Ano de Produção: 1980
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Jerrold Freedman
Roteiro: Jerrold Freedman, Steve Kline
Elenco: Charles Bronson, Ed Harris, Bruno Kirby, Bert Remsen, Karmin Murcelo
  
Sinopse:
Na fronteira entre México e Estados Unidos, um grupo de policiais americanos tenta evitar a entrada de imigrantes ilegais em seu país. Eles são liderados pelo xerife Jeb Maynard (Charles Bronson) que resolve apertar o cerco após a morte de um veterano patrulheiro da fronteira que era seu amigo pessoal. A partir daí ele começa a investigar o assassinato e descobre que por trás de tudo pode estar um homem especializado em atravessar imigrantes mexicanos pela fronteira. Caberá a Jeb descobrir sua identidade e das pessoas poderosas que estariam financiando suas atividades criminosas.

Comentários:
Em tempos de Donald Trump e sua política de imigração nada mais interessante do que assistir a esse filme estrelado por Charles Bronson. É a tal coisa, a imigração ilegal é um problema bem velho para os americanos pois há mais de 30 anos atrás a situação já era considerada fora de controle. Em determinado momento do filme o xerife de Bronson dá uma ideia do caos que impera naquela região. Ele explica aos seus subordinados que quando começou a trabalhar na fronteira eles prendiam no máximo 10 mexicanos por mês tentando entrar ilegalmente nos Estados Unidos, mas que agora eram mais de três mil por semana! E isso em 1980, quando o filme foi produzido! Imagine a situação nos dias atuais... Além do roteiro esclarecedor que mostra como a imigração ilegal é mesmo um grande negócio para policiais mexicanos corruptos e empresas de fachada do lado americano, o filme também explora as mortes e a profunda exploração dos coiotes em relação aos imigrantes. Um desses coiotes é o grande vilão do filme, um veterano da guerra do Vietnã interpretado por Ed Harris. Usando o que aprendeu no exército ele passa a trabalhar no transporte de imigrantes ilegais, muitas vezes cometendo crimes para isso. Um desses crimes é justamente o assassinato que Bronson passa a investigar. Ele mata um velho patrulheiro da fronteira e quando a bala que o matou ricocheteia em um jovem mexicano ele não pensa duas vezes e mata o rapaz também, tudo a sangue frio. Totalmente rodado na fronteira desértica entre os dois países esse é sem dúvida um dos melhores filmes sobre o tema. Tem cenas excelentes de ação e também um roteiro que é ao mesmo tempo esclarecedor e conscientizador. Um filme muito bom, hoje pouco lembrado. Assista para entender melhor a política do atual presidente americano sobre a imigração ilegal que assola aquela nação.

Pablo Aluísio.

A Sombra de Chikara

Título no Brasil: A Sombra de Chikara
Título Original: The Shadow of Chikara
Ano de Produção: 1977
País: Estados Unidos
Estúdio: Embassy Pictures
Direção: Earl E. Smith
Roteiro: Earl E. Smith
Elenco: Joe Don Baker, Sondra Locke, Ted Neeley, Dennis Fimple
  
Sinopse:
Com o fim da Guerra Civil Americana, ex-soldados confederados passam a vagar pela imensidão do deserto do oeste americano. Nessas terras isoladas e hostis eles acabam conhecendo uma velha lenda nativa que afirma que há tesouros escondidos nas montanhas do Arkansas. Eles decidem então ir em busca da fortuna, mas acabam descobrindo que forças desconhecidas e sobrenaturais protegem aquele santuário perdido.

Comentários:
Filme de faroeste dos anos 1970 que não deixa de ser muito curioso e interessante, principalmente pela exploração por parte do roteiro de aspectos referentes ao sobrenatural e ao misticismo. Pegando carona no sucesso da época de filmes de terror, o diretor e roteirista Earl E. Smith tentou criar um filme que fosse ao mesmo de western e terror, tentando unir os dogmas de ambos os gêneros cinematográficos. Não ficou uma obra prima, longe disso, mas também passa longe de ser uma bomba ou uma decepção. Há elementos que realmente fazem com que o espectador fique atenta aos acontecimentos até o fim do filme. Smith conseguiu realmente, de fato, explorar bem o suspense, o inexplicável e o mistério. No elenco não há grandes astros e estrelas, apenas a atriz Sondra Locke é mais conhecida dos fãs de filmes de western, principalmente por ela ser casada na época com Clint Eastwood, que dizem alguns boatos, também ajudou na realização desse filme de western e magia! Enfim, uma obra bem interessante, curiosa e bem fotografada, toda filmada nas terras onde nasceu o ex-presidente americano Bill Clinton. Coloque em sua lista, a conferir.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 15 de junho de 2017

Sublime Tentação

Mais um clássico de faroeste estrelado pelo mito Gary Cooper. Esse aliás é considerado um dos melhores filmes da carreira do ator. E se formos pensar sobre a riqueza da filmografia de Cooper, isso definitivamente não é pouca coisa. Ele interpreta um patriarca de uma família Quaker. Essa é uma religião muito austera e rígida em sua disciplina interna. Esse aspecto talvez leve você a pensar logo de antemão que esse é um drama pesado, com gente religiosa e fanática, mas isso é um equívoco sem tamanho. Na verdade "Sublime Tentação" passeia muito bem em diversos gêneros, apresentando inclusive divertidas cenas, onde o humor está em destaque. Pois bem, Cooper é um fazendeiro que tenta criar sua família da melhor forma possível, mas sem muitos exageros no quesito religiosidade (apesar dele ser um Quaker). Ele tem uma ótima esposa (interpretada por Dorothy McGuire) e filhos igualmente valorosos (um deles feito pelo ator Anthony Perkins, ainda bem jovem e distante de se consagrar como o psicopata Norman Bates em "Psicose" de Alfred Hitchcock). A vida no campo é dura, mas também tranquila. Aos domingos ele vai com sua família até o culto, onde aproveita para também apostar algumas corridas de charrete com um fazendeiro vizinho (algo que rende cenas bem engraçadas para o filme).

Sua vida bucólica porém chega ao fim quando explode a guerra civil americana. Exércitos da União e da Confederação começam uma grande carnificina. Como Quaker, o rancheiro Jess (Cooper) se recusa a lutar, mas isso se torna impossível a partir do momento em que a guerra vem até sua fazenda. Tropas rebeldes do sul estão chegando em suas terras e isso definitivamente não seria uma boa notícia pois eles costumavam queimar tudo por onde passavam. Como agora ele conseguirá proteger seus bens e sua família sem que para isso tenha que usar da violência? Passará por cima de suas convicções religiosas para se proteger e aos seus entes queridos? Essas perguntas parecem estar no centro de tudo. O roteiro testa os limites da família de Jess para ver até que ponto eles estariam dispostos a ir, seguindo os ensinamentos de sua religião. Com ótima produção, excelente elenco e roteiro rico e detalhista, esse western é certamente um dos melhores estrelados pelo genial Cooper que inclusive está em seu tipo habitual, a do homem simples, mas profundamente ético e honesto, que se vê diante de uma situação excepcional. A direção ficou a cargo do cineasta William Wyler, o mesmo diretor do maior clássico épico de todos os tempos "Ben-Hur". Claro que uma comparação entre as duas obras seria equivocada sob qualquer ponto de vista. Mesmo assim vale para lembrar ao fã de cinema de que esse também não é um filme qualquer. Muito pelo contrário, é um ótimo clássico western dos anos 50. Imperdível.

Sublime Tentação (Friendly Persuasion, Estados Unidos, 1956) Direção: William Wyler / Roteiro: Michael Wilson, baseado no livro de  Jessamyn West / Elenco: Gary Cooper, Dorothy McGuire, Anthony Perkins / Sinopse: Fazendeiro Quaker (Cooper) tenta defender e proteger sua família e sua fazenda durante a sangrenta Guerra Civil Americana. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Som, Melhor Música e Melhor Ator Coadjuvante (Anthony Perkins). Filme premiado com o Globo de Ouro na categoria de revelação masculina (Perkins). 

Pablo Aluísio.


À Borda da Morte

Mais um bom faroeste dos anos 1950. Aqui temos a história de um velho xerife, Cass Silver (Robert Ryan). Ele é um honesto homem da lei que se muda para uma cidade de fronteira, um entreposto muito concorrido para onde são enviados grandes rebanhos que cruzam o velho oeste. Com a chegada de muitos cowboys a cidade acaba prosperando. E onde tem muita gente, também tem muita confusão. Lidar com cowboys armados por todos os lados pode ser um grande problema para um xerife que deseja impor lei e ordem em sua cidade. Mesmo com tantas dificuldades o xerife Cass se sai bem em suas funções, isso até a chegada de um velho desafeto, um homem inescrupuloso, dono de saloon, que sempre contratou pistoleiros para defender seus interesses. Não demora muito e sua presença se torna um foco de tensão para o xerife que precisa lidar ainda com a presença do filho de um homem que matou no passado. Thad Anderson (Jeffrey Hunter) é um cowboy que sabe que o xerife da cidade é o assassino de seu pai. Estaria ele disposto a vingar sua morte ou não?

O roteiro desse filme é bem interessante porque mostra um xerife em seus anos finais. Ele está velho, tem problemas de visão, sua vista se torna cada vez mais embaçada e isso para alguém que precisava enfrentar todos os tipos de criminosos torna tudo ainda mais delicado. O roteiro e a produção são bons, porém o grande atrativo vem do elenco, principalmente do trio principal de protagonistas. Um ainda muito jovem Jeffrey Hunter interpreta um cowboy que chega na cidade, provavelmente em busca de vingança pela morte do pai. Robert Ryan é o xerife que sabe que sua hora decisiva está muito provavelmente bem próxima e a bela Virginia Mayo é a dona de um saloon local, uma mulher que deseja vencer na vida no mundo dos negócios. Em alguns momentos o enredo me lembrou de filmes como "Onde Começa o Inferno" e até mesmo "Matar ou Morrer", mas é preciso reconhecer que esse roteiro não tem a mesma consistência psicológica ou de desenvolvimento dos principais personagens como nesses grandes clássicos do western americano. É certamente um bom faroeste, valorizado pelos momentos de tensão, porém não chega a ser um dos grandes clássicos do gênero. Competente e bem realizado, cumpre suas pretensões, mas sem chegar a um nível tão alto.

À Borda da Morte (The Proud Ones, Estados Unidos, 1956) Direção: Robert D. Webb / Roteiro: Edmund H. North, Joseph Petracca / Elenco: Robert Ryan, Virginia Mayo, Jeffrey Hunter / Sinopse: Velho xerife precisa lidar com antigos inimigos em um momento particularmente complicado de sua vida, principalmente por não ter mais a mesma habilidade do passado. .

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 14 de junho de 2017

A Saga de um Fugitivo

Título no Brasil: A Saga de um Fugitivo
Título Original: Desperado
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Television
Direção: Virgil W. Vogel
Roteiro: Elmore Leonard
Elenco: Alex McArthur, David Warner, Yaphet Kotto
  
Sinopse:
O cowboy Duell McCall (Alex McArthur) é injustamente acusado de um crime que não cometeu. Tentando fugir da cadeia, ao mesmo tempo em que tenta provar sua inocência, ele atravessa os desertos do Arizona em busca de justiça. Filme baseado na famosa canção "Desperado" do grupo de rock-country The Eagles.

Comentários:
Telefilme americano lançado no Brasil em VHS pelo selo CIC (que era especializado em lançar no mercado brasileiro filmes dos estúdios Paramount e Universal). Em termos gerais fica claro desde o começo que o filme tenta seguir os passos de "Silverado", um faroeste que fez muito sucesso nos cinemas durante a década de 1980. A diferença básica é que aqui o orçamento foi bem mais modesto, uma vez que o filme foi realizado para ser exibido na TV americana. Mesmo assim há coisas interessantes nessa produção. Uma delas é o fato de seu roteiro ter sido escrito pelo grande Elmore Leonard, roteirista veterano de filmes de western onde se destacam clássicos como "Galante e Sanguinário", "Quando os Bravos se Encontram" e "Hombre". Além de roteirista aclamado ele também foi um produtivo escritor, tendo vários de seus livros adaptados para o cinema. Nesse aqui ele usou como matéria prima uma música do grupo The Eagles. Conforme ele próprio explicou: "Assim que ouvi essa canção pensei em um roteiro completo. Todos os elementos estavam lá. Só era necessário escrever a adaptação!". Dito e feito, acabou escrevendo um ótimo roteiro, bem melhor do que o próprio filme. Quem sabe um dia esse texto não ganhe um remake mais bem produzido? É esperar para ver.

Pablo Aluísio.

Heróis da Polícia Montada

Título no Brasil: Heróis da Polícia Montada
Título Original: The Canadians
Ano de Produção: 1961
País: Inglaterra
Estúdio: Associated Producers (API)
Direção: Burt Kennedy
Roteiro: Burt Kennedy
Elenco: Robert Ryan, John Dehner, Torin Thatcher
  
Sinopse:
Com a violência e a brutalidade das chamadas guerras indígenas no oeste selvagem dos Estados Unidos, uma grande parte dos guerreiros nativos da tribo Sioux resolvem cruzar a fronteira, indo para o vizinho Canadá. A chegada é inicialmente pacífica, pois sequer existem tropas canadenses naquela região, mas logo começam os atritos e conflitos entre os Sioux e cowboys que vivem da caça naquelas montanhas, dando origem a um novo ciclo de violência e mortes. Os soldados americanos também estão atrás dos assassinos do General Custer e sua sétima cavalaria.

Comentários:
Um western britânico contando parte da história das guerras indígenas em solo canadense? No mínimo interessante e curioso. O filme tem um bom roteiro e boas cenas de batalha, valorizado ainda mais pelas belas paisagens das regiões canadenses mais distantes e isoladas. O diretor Burt Kennedy quis inicialmente que todo o filme fosse rodado em locações naturais, mas naquela época isso era praticamente impossível. Assim ele deslocou uma unidade de produção para filmar as paisagens, enquanto rodava cenas em estúdio. O resultado, apesar de um pouco irregular, convence. O roteiro explora a fundação da Northwest Mounted Police, que seria a unidade pioneira da hoje famosa Polícia Montada Canadense, um dos orgulhos nacionais daquela nação. No contexto histórico em que o filme foi rodado esse destacamento militar funcionava também como parte do exército canadense, algo que hoje em dia não mais ocorre. Obviamente que o roteiro tem um lado bem ufanista, que soa em determinados momentos como muito inocentes hoje em dia. Isso porém não desqualifica a produção como puro espetáculo de diversão cinematográfica, valorizado ainda mais pelo elenco, com o galã Robert Ryan no papel principal, a do comandante e inspetor William Gannon. Seus atos de bravura, em tempos tão cinicamente presentes como os dias atuais, vão até soar meio cafonas. Ignore isso, veja como parte do charme nostálgico do filme e se divirta, acima de tudo. Vai valer a pena.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 13 de junho de 2017

American Gods

American Gods - Primeira Temporada
Segue abaixo alguns reviews que escrevi da boa série "American Gods" que no Brasil recebeu o título nacional de "Deuses Americanos". É uma série das mais estranhas e fora dos padrões, por essa razão mesmo ganhou um status cult, apreciada por um grupo de fãs dos quadrinhos originais que ficaram bem satisfeitos com o resultado final da série de TV. Nessa primeira temporada acompanhamos o protagonista, um homem em busca de redenção, que acaba encontrando antigos deuses do passado, hoje completamente sem fiéis, desacreditados. Deuses de religiões que não existem mais. Segue abaixo textos sobre a série, conforme assisti na época.

Episódios Comentados:

American Gods 1.01 - The Bone Orchard 
Os quadrinhos não invadiram apenas o cinema, mas o mundo das séries de TV também. Esse "American Gods" é uma adaptação do quadrinista Neil Gaiman, um autor que tem bastante prestigio entre os fãs dos comics. Como nunca li o material original cai de paraquedas aqui nesse primeiro episódio. Digo com antecedência que nada é muito claro ou objetivo. Há um personagem principal, o protagonista, um homem negro que sai da prisão após cumprir sua pena. Nada de muito novo nesse sentido. Ao sair ele acaba conhecendo uma série de personagens estranhos e bizarros, que não são bem explicados pelo roteiro (pelo menos nesse primeiro momento). Já li certa vez que todos seriam deuses da antiguidade vivendo nos tempos atuais, mas nem sei se essa informação procede. De qualquer forma acabei gostando do resultado. A curiosidade me levará a acompanhar os próximos episódios para entender melhor o que se passa e que rumo tomará essa história nada comum. Outro fato que me fará seguir em frente, tentando gostar dessa série, é o fato dela ser produzido pelo canal Starz. Quem acompanhou "Spartacus" sabe bem do que estou falando. Então é isso. Ainda é cedo demais para avaliar com mais consistência, porém tudo pelo menos promete. Vamos ver o que virá daqui para frente. / American Gods 1.01 - The Bone Orchard  (Estados Unidos, 2017) Direção: David Slade / Roteiro: Bryan Fuller, baseado na obra de Neil Gaiman / Elenco: Ricky Whittle, Emily Browning, Crispin Glover.

American Gods 1.02 - The Secret of Spoons
A primeira cena desse episódio é um achado. No século XVII somos levados aos porões de um navio negreiro levando escravos da África para a América. Um deles reza e ora para sua divindada que se materializa ali mesmo, na sua frente. A tal divindade da cultura africana explica que todos eles vão sofrer inúmeras violências e injustiças, algo que irá se perpetuar nos próximos séculos. Por isso todos devem se libertar, colocando fogo naquela embarcação holandesa, mesmo que todos venham a morrer. Afinal é melhor a morte do que a escravidão. Depois dessa cena realmente muito boa, somos levados de volta ao momento presente. Shadow Moon (Ricky Whittle) dirige o carro de seu patrão até Chicago. O chefe quer recuperar um martelo que sempre lhe pertenceu (seria ele a antiga divindade Thor, o Deus do Trovão?). Mr. Wednesday (Ian McShane) não abre o jogo sobre sua verdadeira identidade, apenas deixa pistas em alguns momentos. Além disso ele não se parece nada com Thor, mas sim com uma versão mais cansada e desanimada de Al Pacino! Estranho... De qualquer forma eles chegam em Chicago. O tal martelo está nas mãos de um conhecido. Um sujeito asqueroso com sotaque russo que vive com três irmãs (seriam todos eles deuses esquecidos da antiguidade também? Quem sabe...). O clímax do episódio acontece quando Shadow topa jogar um inocente jogo de damas, onde ele aposta sua própria vida. Caso perca será literalmente abatido na cabeça com o sangrento martelo. Tudo ao amanhecer... / American Gods 1.02 - The Secret of Spoons (Estados Unidos, 2017) Direção: David Slade / Roteiro: Michael Green, baseado na obra de Neil Gaiman / Elenco: Ricky Whittle, Ian McShane, Gillian Anderson, Emily Browning, Crispin Glover.

Pablo Aluísio. 

segunda-feira, 12 de junho de 2017

Big Little Lies

Série: Big Little Lies
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO
Direção: Jean-Marc Vallée, entre outros
Roteiro: Liane Moriarty, David E. Kelley, entre outros
Elenco: Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Alexander Skarsgård, Laura Dern

Episódios Comentados:


Big Little Lies 1.01 - Somebody's Dead
Essa nova série tem um elenco muito bom, acima da média, além de ter sido muito bem recomendada pela crítica. Esse primeiro episódio porém não me convenceu muito. Fiquei com a impressão de estar assistindo a uma versão adulta de "Pretty Little Liars". Saem as adolescentes e entram mulheres mais velhas, donas de casa, mães de famílias. Há um crime - não muito explicado - e durante as investigações um longo flashback é aberto, mostrando as principais envolvidas no assassinato de uma pessoa numa festa (o roteiro não explica muito além disso). Assim voltamos no tempo e encontramos uma série de personagens bem chatas (para dizer o mínimo). Todas parecem ser altamente falsas, frívolas e arrogantes.

A principal que puxa o coro é Madeline Martha Mackenzie (Reese Witherspoon) que fala pelos cotovelos e parece ter amizades (falsas) com todas as mulheres da região. Completam o quadro a recém chegada (e esquisita) Jane Chapman (Shailene Woodley) e a tímida e introvertida Celeste Wright (Nicole Kidman). O ponto alto da "dramaticidade" desse primeiro episódio é uma briguinha de pré-escola envolvendo os filhinhos delas. Muito chato. Certamente eu não faço parte do público que esse tipo de série quer alcançar, pois parece mesmo um novelão Made in USA. Não gostei muito desse primeiro episódio e muito provavelmente não irei acompanhar. Assisti mesmo por mera curiosidade e de fato não apreciei muito o que vi. A palavra chatice parece resumir tudo por aqui. / Big Little Lies 1.01 - Somebody's Dead (Estados Unidos, 2017) Direção: Jean-Marc Vallée / Roteiro: Liane Moriarty, David E. Kelley / Elenco: Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Alexander Skarsgård, Laura Dern. 

Pablo Aluísio.

Genius

Série: Genius
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: National Geographic
Direção: Ron Howard, entre outros
Roteiro: Noah Pink, entre outros
Elenco: Geoffrey Rush, Johnny Flynn, Samantha Colley

Episódios Comentados:


Genius 1.01 - Einstein: Chapter One
Essa nova série é uma produção conjunta entre a Fox e a National Geographic, o que acaba unindo um ótimo roteiro (com precisão histórica) a um excelente elenco e direção. Essa primeira temporada conta a história do cientista Albert Einstein. São duas linhas temporais, duas linhas narrativas. A primeira se passa em 1895. Nessa época Einstein era apenas um jovem estudante que não sabia ao certo que rumo tomar na vida. Quando seu pai decide se mudar para a Itália, Einstein fica sozinho na Alemanha, precisando lidar com a ausência dos pais. Ele inicialmente estuda para entrar na universidade de Berlim, porém logo depois muda de ideia, indo estudar na escola politécnica de Zurique, algo que irrita bastante seu pai. Na outra linha narrativa encontramos Einstein mais velho, já casado e dando aulas em uma universidade alemã.

O ano é 1932 e o nazismo começa a se espalhar, principalmente pela ação dos camisas pardas, a juventude de Hitler que começa a ameaçar e agredir judeus pelas ruas. Inicialmente Einstein, que era judeu, se recusa a deixar a Alemanha como queria sua esposa, mas depois começa a perceber que ir embora pode salvar sua vida. Ele tem convites para ensinar nos Estados Unidos e isso parece ser uma boa opção. A última cena desse episódio mostra Einstein passando por uma tensa entrevista na embaixada americana. A primeira esposa de Einstein se envolveu com grupos radicais de esquerda, o que talvez o impeça de entrar na América. Ótimo episódio inicial, com destacada reconstituição de época e uma bela interpretação do ator Geoffrey Rush como o famoso físico. Essas duas linhas narrativas, pelo visto vão seguir nos próximos episódios, unindo momentos temporais diferentes na vida de Einstein. Nada mais conveniente uma vez que o cientista sempre defendeu que o tempo nada mais era do que um aspecto relativo das leis do universo. / Genius 1.01 - Einstein: Chapter One (Estados Unidos, 2017) Direção: Ron Howard / Roteiro: Noah Pink / Elenco: Geoffrey Rush, Johnny Flynn, Samantha Colley.

Pablo Aluísio.